Reseña: Día 16
Por José R. Colón Laboy
Con una sugerente propuesta que aborda la persistencia de la violencia hacia la mujer en
nuestra sociedad, el pasado mes se presentó la pieza teatral Día 16, del dramaturgo
Federico Roca. La reciente adaptación fue dirigida por el bailarín y coreógrafo puertorriqueño
Jaime Maldonado, con el apoyo de la productora Teatro Público. La obra volvió a escenarios por
cuarta ocasión, los días 24, 25 y 26 de marzo de 2023, como parte del 2do Festival de Teatro de
la Mujer celebrado en el Teatro Braulio Castillo de Bayamón. Día 16 es producto de un proceso
multidisciplinario de composición entre el grupo de teatristas y el equipo creativo liderado por
Maldonado, un llamado de conciencia en respuesta al incremento de la violencia machista en
Puerto Rico. Haciendo uso de las estrategias del teatro político, de clara influencia brechtiana, la
pieza experimental sumerge a la audiencia en un espacio de denuncia y catarsis colectiva.
Aunque se estrenó en la isla en 2019, esta no solo mantiene su fuerza emotiva, sino también una
gran vigencia, especialmente si se tiene en cuenta la alarmante cifra de feminicidios y casos de
violencia por razones de género en nuestro país.
Día 16 es obra original del escritor uruguayo Federico Roca, cuyo manuscrito obtuvo el
Premio Florencio al mejor texto de autor nacional en 2016, otorgado por la Asociación de
Críticos Teatrales del Uruguay. Al igual que otros trabajos de su autoría, la pieza se inspira en
casos verídicos de violencia machista e integra una polifonía de voces y discursos para dar parte
de esta trágica realidad en su país natal. Con la nueva puesta escénica del texto de Roca, Jaime
Maldonado y su multifacético elenco se unen a las voces de alerta, reiterando su compromiso con
esta crisis compartida. El resultado es una pieza que logra traducirse sin problemas al contexto
caribeño, dada la preocupante situación de los cuerpos feminizados en Puerto Rico y la
complicidad de las estructuras políticas en el encubrimiento de los crímenes hacia la mujer. Los
desgarradores testimonios de personas victimizadas que se presentaron ofrecen escalofriantes
paralelismos con nuestro país y el estado de emergencia que viven muchas mujeres. En adición,
esta adaptación incluyó un monólogo escrito por una de las actrices, Roberta Acosta, en el cual
se reflexiona sobre los recientes ataques hacia personas transgénero en la isla. Esta contribución, proveniente de una intérprete de experiencia trans, brindó una perspectiva necesaria acerca de
otros modos en que se manifiesta la violencia machista.
Trabajar para la erradicación de este problema transnacional requiere una mirada hacia el
interior, honesta y dolorosa, de la historia familiar y la sociedad que nos ha constituido y que
navegamos. Las excepcionales interpretaciones del conjunto de actores, constituido por Roberta
Acosta, Luismi Domínguez, Thaís González, Karlo Martínez, Gabriel McRoberts, Paola Torres y
Gabriel Rivera, fueron claves para que la audiencia entrara en contacto con ese lado íntimo y
vulnerable. Pese a un montaje complejo en el que cada artista interpretó varios papeles, los
actores se percibieron cómodos, en completa sintonía, manteniendo el ritmo de las acciones
dramáticas y la intensidad de la pieza.
La estructura episódica de Día 16 osciló entre el dramatismo y la parodia, entregando a cada intérprete oportunidades para demostrar sus capacidades y versatilidad. Actoralmente, lograron transmitir mediante el cuerpo, los gestos y la voz, las complicadas emociones que se desprendían de las experiencias relatadas. Además, subrayamos la excelente labor de teatro físico realizada por los actores. Las instancias en las que se incorporaron composiciones de movimiento fueron efectivas y lucieron depuradas. Entre estos momentos, destaca la divertida coreografía “circense” con la vara de la tramoya, cocreada por Karlo Martínez y Gabriel McRoberts.
El diseño escenográfico y la utilería de Día 16 estuvo a cargo de Margarita Sánchez. La
obra exhibió una escenografía funcional y “al desnudo”, apropiada para esta puesta en escena
experimental en la que se adoptaron elementos de la danza y la música. De naturaleza
antirrealista, el escenario se mantuvo libre de mobiliario, lo cual facilitó el tránsito y la
experimentación coreográfica de los actores. No obstante, el espacio escénico no se limitó al
escenario, sino que tanto el área tras bastidores como el auditorio formaron parte de los espacios
donde ocurrieron los hechos teatrales, aportando una sensación de incertidumbre y sorpresa a lo
largo del espectáculo. Asimismo, esta “desnudez” escenográfica, alejada de los artilugios que
suelen ser la norma en otros tipos de teatro, ayudó a enfocar la atención de la audiencia sobre los
crímenes relatados y los actores, que encarnaban cual médiums, dichas historias.
Por su parte, la utilería también jugó un rol destacado en Día 16. Diversos objetos
escénicos fueron utilizados para construir imágenes metafóricas que simbolizaban
manifestaciones de la violencia de género, sin necesidad de representar propiamente actos violentos o agresiones físicas. Entre estos, elementos como agua y toallas aparecieron una y otra
vez en la pieza, símbolos de la violencia y la inocencia perdida. Igualmente, una de las imágenes
más impactantes de toda la obra involucró el ingenioso uso de un soplador de hojas encendido
por parte de Gabriel Rivera, con el que se sugieren las consecuencias físicas y emocionales del
acoso.
Es preciso mencionar que momentos escénicos como el descrito anteriormente fueron
potenciados por un inteligente uso de la iluminación, cuyo diseño fue elaborado por Angelina
Rodríguez. Como para aludir al duelo, en la pieza predominó la oscuridad. A grandes rasgos, la
iluminación se empleó con dos propósitos: realizar transiciones entre escenas y crear imágenes
teatrales mediante el juego con los focos de luz. Sobre esto último, en múltiples ocasiones se
manipularon las tramoyas del teatro, por ejemplo, bajándolas justo en medio del escenario o
subiéndolas, para crear composiciones y situaciones inesperadas entre los cuerpos y la
iluminación, invitando interesantes oportunidades de experimentación con este código teatral.
Dejando de lado cualquier interés en hacer representaciones fieles que guarden estricta
relación con las historias relatadas, el vestuario de Día 16, de Desirée Cruz, fue igual para todos
los intérpretes. La holgada combinación de camiseta gris y pantalón crema tomó en cuenta la
movilidad de los actores, considerando el trabajo físico que se realizó durante el espectáculo.
Mas, al seleccionar un vestuario similar para todo el elenco, se intentaron atenuar las
características físicas concebidas como marcadores de identidad. Este diseño antirrealista sugiere
que la violencia de género no es una cuestión que afecta estrictamente a las mujeres, sino que, en
realidad, todos somos víctimas de la maquinaria del machismo, sin importar el género con el que
nos identifiquemos ni cómo vistamos.
Otro elemento destacable fue la música, con la participación de Gabriel Rivera en el
diseño sonoro. En varios episodios divertidísimos se incorporó la música en vivo, ya sea con
instrumentos tradicionales como el piano, con una batería improvisada con materiales reciclados
o al son percusivo de las nalgas de uno de los teatristas. También, la voz estuvo presente al
principio y al final de la pieza, con dos canciones interpretadas por Raquel Vázquez, cuyas letras
devienen una declaración apremiante contra la violencia.
Una pieza tanto urgente como pertinente, la adaptación de Día 16 demuestra el talento y
gran compromiso de este grupo de jóvenes artistas. Con descarnada honestidad, el colectivo propone un espacio de reflexión y sanación para un país asediado por la violencia machista. El
pasado domingo, al concluir la última presentación, el público partía estremecido por la
vulnerabilidad de la que habían sido testigos. Esta pieza ha sido una muestra fehaciente de la
necesidad y el poder de este tipo de teatro, así como de las descargas creativas que surgen
cuando se juntan nuestros jóvenes artistas.